sábado, 28 de abril de 2007

Freddie King

Have You Ever Loved A Woman


Freddie King.


Freddie King: Ain`t No Sunshine When She`s Gone.



Freddie King Sweet Home Chicago


Hideaway

Chicago blues

El Chicago blues es un tipo de música blues que se desarrolló en Chicago, Illinois al añadir guitarras amplificadas eléctricamente, bateria, piano, bajo y, en algunas ocasiones, saxofón al Delta blues básico de guitarras y armónica. Este estilo es resultado, principalmente, de la "Gran migración afro-americana" de trabajadores pobres del sur de Estados Unidos de América a las ciudades industriales del norte del país, tales como Chicago, durante la primera mitad del Siglo XX.

El Chicago Blues tiene un repertorio de notas musicales más amplio que la escala estándar de blues de seis notas; generalmente se añaden notas de la escala mayor consiguiendo así un efecto "jazzero" a la vez que se mantienen las características esenciales del blues. Este efecto, el de añadir notas de otra escala, no es tan común ni tiene tanta importancia como en otros estilos, como el Texas blues, en el cual suelen utilizarse "terceras" y "sextas" mayores.

Otra característica importante del Chicago blues es la presencia de muchos acordes "novenos" dominantes, así como la presencia de notas "novenas" en las escalas.

Algunos intérpretes destacados





Otis Rush

Otis Rush - "So Many Roads"


Otis Rush - All Your Love (I Miss Loving)

viernes, 27 de abril de 2007

Tipos de música: El Blues

El Blues es un estilo musical vocal e instrumental, basado en la utilización de notas de blues y de un patrón repetitivo, el cual suele seguir una estructura de doce compases. Este estilo, en Estados Unidos, se desarrolló en las comunidades de esclavos africanos del sur del país, a través de sus espirituales, oraciones cantadas, canciones de trabajo y gritos de campo. La utilización de las notas de blues y la importancia de los patrones de 'llamada y respuesta', tanto en la música como en las letras, son indicativos de la herencia africana-occidental de este estilo. El blues influenció la música popular norteamericana y occidental llegando a formar parte de géneros musicales como el ragtime, jazz, bluegrass, rhythm and blues, rock and roll, hip-hop, música country y canciones pop.

Blues en las décadas de 1960 y 1970

Al principio de la década de 1960, los géneros musicales influenciados por la música afro-americana, como el rock and roll y el soul, ya formaban parte de la música popular americana. Los intérpretes caucásicos habían llevado la música afro-americana a nuevas audiencias, tanto en los Estados Unidos como al resto del mundo. En el Reino Unido, las bandas de músicos emulaban a las leyendas del blues americanas, desempeñando el blues inglés un papel importante a lo largo de la década de 1960.

'Una
Una leyenda del Blues, B.B. King, con su guitarra, "Lucille"

Intérpretes de blues, como John Lee Hooker y Muddy Waters, siguieron tocando para sus admiradores entusiastas, inspirando a nuevos artistas en el campo del blues tradicional, como el músico nacido en Nueva York Taj Mahal. John Lee Hooker mezcló su estilo de blues con elementos del rock y empezó a tocar con jóvenes músicos blancos, creando un estilo musical que puede escucharse en el disco de 1971 "Endless Boogie". La técnica virtuosa de B.B. King le valió el apodo de 'Rey del Blues'. A diferencia del estilo de Chicago, la banda de King utilizaba soporte de viento (en forma de saxofón, trompeta y trombón), en vez de utilizar únicamente la 'slide guitar' y la armónica. El cantante de Tennessee, Bobby "Blue" Bland, al igual que B.B. King, también mezcló los géneros musicales del blues y del rythm and blues.

La música de los movimientos por 'los derechos civiles' y por 'la libertad de expresión' en los Estados Unidos, pedían el resurgir del interés por las raíces de la música americana y por los inicios de la música afro-americana. Festivales de música, como el 'Newport Folk Festival' llevó el blues tradicional a nuevas audiencias, las cuales ayudaron a revivir el interés por el blues acústico de pre-guerra y por intérpretes como Son House, Mississippi John Hurt, Skip James, y Reverend Gary Davis. Muchas recopilaciones de blues clásico de pre-guerra fueron reeditadas por la compañía 'Yazoo Records'. J.B. Lenoir, perteneciente al movimiento del Chicago blues de la década de 1950, grabó varios vinilos utilizando guitarras acústicas contando con el acompañamiento ocasional de Willie Dixon al bajo acústico o a la batería; sus canciones hablaban de problemas políticos como el racismo o la Guerra de Vietnam, lo cual no era muy usual por aquella época. La grabación de su tema "Alabama blues" dice lo siguiente:

I never will go back to Alabama, that is not the place for me (2x)
You know they killed my sister and my brother,
and the whole world let them peoples go down there free

Original en inglés

Nunca volveré a Alabama, ese no es el lugar para mi (2x)
Sabes que mataron a mi hermana y a mi hermano,
y el mundo entero los dejo ir libres

Traducción al español

El interés de las audiencias caucásicas por el blues durante la década de 1960 se incrementó debido al movimiento liderado por el grupo 'Paul Butterfield Blues Band' y por el blues británico. Este estilo se desarrolló en Reino Unido, promovido principalmente por Alexis Korner, donde grupos como Fleetwood Mac, John Mayall & the Bluesbreakers, The Rolling Stones, The Yardbirds y Cream interpretaron canciones clásicas de blues de los estilos Delta blues y Chicago blues.

Los músicos británicos de blues de los primeros años de la década de 1960 inspiraron, a su vez, a un número de intérpretes americanos de 'blues-rock', incluyendo a Canned Heat, Janis Joplin, Johnny Winter, The J. Geils Band y Ry Cooder. Gran parte de los primeros éxitos del grupo británico Led Zeppelin fueron tributos a canciones tradicionales de blues. Un intérprete de 'blues-rock', Jimi Hendrix, fue una rareza en su campo por aquellos tiempos: un negro que tocaba 'rock psicodélico'; Hendrix fue un guitarrista virtuoso y un pionero en el uso de la distorsión y el 'feedback' en su música [38]. A través de éstos y de otros artistas, la música blues influenció el desarrollo de la música rock.

En los últimos años de la década de 1960, el West Coast blues emergió en Chicago con Magic Sam, Magic Slim y Otis Rush; su principal característica fue el basarse en un soporte rítmico otorgado por una guitarra rítmica, un bajo eléctrico y batería. Albert King, Buddy Guy y Luther Allison fueron componentes de este estilo, el cual estaba dominado por una guitarra eléctrica principal amplificada.

Blues desde la década de 1980 hasta hoy

Desde la década de 1980 se ha experimentado un resurgir en el interés del blues por parte de cierto sector de la población afro-americana, principalmente en la zona de Jackson y en otras regiones del 'sur profundo'. El soul blues, denominado comúnmente soul sureño, tuvo un éxito inesperado gracias a dos grabaciones del sello discográfico Malaco asentado en Jackson: el tema de Z. Z. Hill "Down Home Blues" (1982) y el tema de Little Milton "The Blues is Alright" (1984). Intérpretes afro-americanos contemporáneos que trabajaron por este resurgir incluyen a Bobby Rush, Denise LaSalle, Sir Charles Jones, Bettye LaVette, Marvin Sease, Peggy Scott-Adams, Billy "Soul" Bonds, T.K. Soul, Mel Waiters y Willie Clayton. La 'red de cadenas de radio de blues americana', fundada por Rip Daniels (un ciudadano negro de Misisipi), emitió soul blues en sus emisiones y contó con la presencia de personalidades de la radio como Duane "DDT" Tanner y Nikki deMarks.

Desde 1980, el blues ha continuado tanto en su forma tradicional como dando paso a nuevos estilos. El Texas blues nació con la utilización de guitarras tanto para roles rítmicos como en solitario. A diferencia del West Coast blues, el estilo tejano está influenciado principalmente por el movimiento rock-blues británico. Artistas de renombre del Texas blues son Stevie Ray Vaughan, The Fabulous Thunderbirds y ZZ Top. La década de 1980 también vio el renacer de la popularidad de John Lee Hooker, realizando colaboraciones con Carlos Santana, Miles Davis, Robert Cray y Bonnie Raitt. Eric Clapton, famoso por sus actuaciones con los Blues Breakers y Cream, regresó en la década de 1990 con su disco MTV Unplugged, en el cual varios temas blues con una guitarra acústica.

En las décadas de 1980 y 1990, comenzaron a distribuirse publicaciones de blues como Living Blues y Blues Revue, formándose asociaciones de blues en las principales ciudades, festivales de blues al aire libre y [39] aumentando el número de clubes nocturnos y edificios asociados al blues. [40]

En la década de 1990, los intérpretes de blues exploraron un amplio rango de géneros musicales, como puede verse por ejemplo en las nominaciones para los premios anuales 'Blues Music Awards', denominados con anterioridad 'W. C. Handy Awards' [41]. La música blues contemporánea está representada por varios sellos discográficos como 'Alligator Records', 'Blind Pig Records', 'Chess Records', 'MCA', 'Delmark Records y 'Vanguard Records'. Algunos de los sellos discográficos más famosos por haber redescubierto y remasterizado rarezas del blues son 'Delta Groove Music', 'Arhoolie Records', 'Smithsonian Folkways Recordings', 'Yazoo Records' y 'Document Records' [42].

Hoy en día, los jóvenes artistas de blues están explorando todos los aspectos de este género musical, desde el clásico 'Delta blues' hasta el blues más orientado al rock; artistas que nacieron a partir de la década de 1970 como Shemekia Copeland, Johnny Lang, Corey Harris, John Mayer, Susan Tedeschi y North Mississippi Allstars han desarrollado sus propios estilos [43].

Stevie Ray Vaughan

Stevie Ray Vaughan - Little Wing



Biografía
(wikipedia)

Steven "Stevie" Ray Vaughan, 3 de octubre de 1954 - 27 de agosto de 1990.

Guitarrista de blues y rock, considerado uno de los mejores de la historia. Sus hits más famosos incluyen temas como "The house is rockin", "Scuttle Buttin", "Testify", "Pride And Joy" y "Rude Mood" entre otros. Contribuyó en un disco de David Bowie (Let's Dance), tocó en privado para los Rolling Stones y ganó casi todos los galardones que un guitarrista de blues puede ganar.


Stevie Ray Vaughan nace el 3 de octubre de 1954 en el Methodist Hospital en Dallas, Texas. A la edad de 7 tiene su primera experiencia con una guitarra cuando le regalan una guitarra de juguete. En 1963 compra su primer disco, "Wham" de Lonnie Mack. Lo reproduce tantas veces que su padre lo rompe.

Stevie continúa tocando de manera semi-amateur hasta 1969, donde entra a la escena del blues en Austin, Texas. En el verano de 1970 forma su primera banda a largo plazo, los Blackbirds, con Stevie y Kim Davis en las guitarras, Christian dePlicque en la voz, Roddy Colonna & John Huff en la percusión, Noel Deis en los teclados y David Frame en el bajo. A finales de 1971 deja la secundaria y se muda a Austin con su banda, estableciendo su base en un club llamado "Hills Country Club". El único hecho merecedor de ser destacado en los próximos años es que en 1974 Stevie obtiene su destruida Stratocaster, la "Number One" que no dejaría por el resto de su carrera. Hasta 1977 participó de bandas como "The Nightcrawlers", "Paul Ray & The Cobras" (con la que ganó el premio a la banda del año en marzo de 1977) y "Triple Threat Revue".

Hacia septiembre de 1977 Stevie forma su banda definitiva, Double-Trouble (más conocida como Stevie Ray Vaughan & Double-Trouble), con Johnny Reno (saxofón), Jackie Newhouse (bajo) y Fredde Pharoah (batería). Se movieron dentro del estado de Texas hasta el 19 de agosto de 1979, cuando tocaron en el San Francisco Blues Festival.

El 11 de julio de 1981 la banda es filmada tocando en un festival. Al año siguiente el manager de Stevie le da la cinta a Mick Jagger, lo que eventualmente causó que la banda hiciera una función privada en una fiesta de los Rolling Stones en el New York's Danceteria el 22 de Abril de 1982. Poco después de eso la banda hizo la presentación más importante de su carrera cuando tocan en el Festival Internacional de Jazz de Montreux, Suiza, siendo la primera banda no programada de antemano en tocar en este recital. Fueron chiflados pero irónicamente ganaron un premio Grammy por la versión del tema "Texas Flood" en ese recital, y dio lugar a uno de los discos en vivo más increíbles de SRV: "Live At Montreux".

Stevie Ray progresivamente alcanzó el estrellato alrededor de esta época, cuando en 1982 contribuye con un disco de David Bowie y en 1983 es "descubierto" por John Hammond (Responsable de descubrir a Bob Dylan, Billie Holiday y Bruce Springsteen entre otros) luego de escuchar la grabación del recital de Montreux, quien le ofrece un contrato para grabaciones en Epic Records. Solo en 1983 sale su primer álbum, Texas Flood, luego de años de trabajo. Las repercusiones no se hicieron esperar, y Stevie fue elegido por la revista Guitar Player "Mejor Nuevo Talento", "Mejor Álbum de Guitarra (Texas Flood)" y "Mejor Guitarrista de Electric Blues", siendo junto con Jeff Beck (1976) el único en ganar 3 premios en un año, siendo necesario destacar también que era un debutante en la industria.

En 1984 es lanzado su segundo álbum: "Couldn't Stand The Weather". Ese mismo año, en el 4 de Octubre, Stevie cumple 30 años, y los festeja con un enorme recital en el Carneghie Hall de New York, con los invitados Jimmie Vaughan (2da guitarra, hermano de Stevie), Angela Strehli (voces), Dr. John (piano) y George Rains (batería). Stevie le dice al público que es el mejor cumpleaños de su vida. Más tarde ese mismo año, el 18 de noviembre, Stevie gana dos National Blues Award por "Best Entertainer" (la traducción más precisa sería "Mejor Showman") y "Mejor instrumentalista de blues". Es la primera persona blanca en ganar cualquiera de estos premios.

El 28 de septiembre Stevie Ray colapsa por abuso de sustancias en Ludwigshafen, Alemania. Se las arregla para hacer dos conciertos más de la gira, pero los próximos 13 son cancelados. Consigue mantenerse sobrio desde el 13 de Octubre hasta su último día. Stevie hace un enorme regreso a la escena en la primavera de 1987, cuando la MTV transmite su recital como parte de la cobertura de las vacaciones de primavera en Daytona Beach, Florida. Stevie aparece también en la película "Back to the Beach" tocando "Pipeline" con Dick Dale, y por último en el especial de TV para Cinemax de B.B. King junto con: Eric Clapton, Albert King, Phil Collins, Gladys Knight, Paul Butterfield, Chaka Khan y Billy Ocean.

Otras presentaciones en vivo importantes de la época fueron: su presentación en las fiestas inagurales de la presidencia de George Bush el 23 de enero de 1989 y su presentación en los MTV Unplugged tocando "Rude Mood", "Pride And Joy" y "Testify" en guitarra acustica de 12 cuerdas. En 1990 se lanza su disco "Family Style", que graba junto con su hermano.


El 27 de agosto de 1990, un poco antes de la 1:00 AM, un helicóptero que llevaba a Stevie de nuevo a Chicago se estrella segundos después de su despegue. Las 5 personas que iban a bordo mueren. Una investigación posterior declara que se debió a un error del piloto.

Rod Stewart

Rod Stewart - infatuation

Led Zeppelin

Led Zeppelin. Biografia, discografia y letras

Surgidos a finales de los años 60 en el Reino Unido, la influencia del grupo Led Zeppelin es incalculable en la historia del rock. Su música trasciende cualquier etiqueta, incorporando a su básica sonoridad hard-rock y a su lírica de rasgos místicos y mitológicos, una heterogénea disposición sónica, embebida en su naturaleza rock de las tradicionales pautas del blues y de la tibieza acústica del folk británico.
El grupo deriva de la banda The Yardbirds. Cuando éstos decidieron separarse a finales de la década de los 60, dos de sus componentes, Jimmy Page y Chris Deja, decidieron proseguir con el proyecto en el verano de 1968 bajo el nombre de The New Yardbirds.

Jimmy Page (nacido el 9 de enero de 1944 en Heston, Middlesex) había sido un prestigioso músico de sesión antes de incorporarse a los Yardbirds para sustituir a Paul Samwell-Smith, participando en discos de numerosos grupos y solistas, entre ellos los Who, Dave Berry, los Herman’s Hermits, Donovan o los Kinks.
En varias de estas grabaciones había coincidido con el bajista y teclista John Paul Jones (nacido el 3 de enero de 1946 en Londres), otro experimentado músico de sesión y excelente arreglista, con el que había tocado en el tema “Hurdy Gurdy Man”, una canción de Donovan en la que también aparecía a la batería John Bonham (nacido el 31 de mayo de 1947 en Redditch).



Cuando Dreja abandonó el proyecto de los New Yardbirds para dedicarse profesionalmente a la fotografía, Page pensó inmediatamente en Jones para conformar una nueva banda, añadiendo al dúo un cantante y un batería. Los cantantes deseados eran Terry Reid o B. J. Wilson, el miembro de Procol Harum. Ambos desecharon la oferta pero Reid les recomendó a un joven y desconocido vocalista llamado Robert Plant (nacido el 20 de agosto de 1948 en West Bromwich), que había cantado en una banda denominada Hobbstweedle.
Plant era, al igual que Page, un gran amante del blues, pero también sentía predilección por los sonidos de la costa oeste americana, siendo sus grupos favoritos Love y Moby Grape.

El cuarto miembro de los New Yardbirds sería Bonham, su antiguo compañero en “Hurdy Gurdy Man”, que había pasado por bandas como Crawling King Snakes o Band of Joy, y que también era íntimo amigo de Plant.
El cuarteto, representado por Peter Grant, debutó en directo en el mes de septiembre de 1968, cuando actuaron, por obligaciones contractuales previas, en la ciudad danesa de Copenhague.
Cuando retornaron a Inglaterra, Page decidió adoptar el nombre de Led Zeppelin, recordando una frase de Keith Moon, cuando éste, planeando dejar a los Who y ante la posibilidad de formar un supergrupo junto a Page, Jeff Beck, John Paul Jones, Nicky Hopkins y el propio Moon, quinteto que había grabado el instrumental “Beck’s Bolero”, definía el destino de la banda con la sensación de ir montados en un globo de plomo.

Después de actuar con éxito en clubes británicos y girar con masiva afluencia de público por los Estados Unidos con Vanilla Fudge, el grupo publicaría en Atlantic “Led Zeppelin” (1969), un extraordinario Lp debut grabado en treinta días y producido y arreglado por Jimmy Page, hecho que repetiría en todos los discos de la banda.
Su fornido y épico muestrario de blues-rock, folk, psicodelia y hard rock conquistaron a la audiencia gracias a temas como “Communication breakdown”, “Dazed and confused”, “Good times” o “Babe, I’m gonna leave you”.
“Led Zeppelin II” (1969) superó en ventas a su primer Lp, alcanzando el puesto número 1 en los Estados Unidos y en Gran Bretaña con temas como “Whole lotta love, “Heartbreaker” o “Ramble on”. Con este disco, la vocalidad de Plant, los mastodónticos riffs e inventiva guitarrera de Page y la poderosa sección rítmica de Jones y Plant se convirtieron en espejo básico para multitud de conjuntos surgidos a su estela.


En “Led Zeppelin III” (1970), un disco con cortes clásicos como “Inmigrant Song” o “Since I’ve been loving you”, la banda incidió más en sus raíces folk. El álbum lograría de nuevo subir a lo más alto de las mejores listas de ventas del mundo, como así harían todos los Lps de su carrera.



Al mismo tiempo sus actitudes de rock star y sus sudorosos y multitudinarios conciertos fueron acrecentando su leyenda como indomables del rock, con comportamientos violentos en los hoteles y relaciones salvajes con las groupies, siendo censurados en varios paises.
Incluso Eva Von Zeppelin, la descendiente de Ferdinand Von Zeppelin, prohibió al grupo actuar en Dinamarca como Led Zeppelin, ya que según ella, el grupo de jóvenes músicos no eran más que “monos gritones”. Actuarían bajo el nombre de The Nods.

Aunque casi cualquier disco de Led Zeppelin resulta esencial (especialmente hasta 1975), “Led Zeppelin IV” (1971), es uno de sus trabajos más importantes y uno de los que mejor exponen su comunión entre hard rock, folk y blues. El álbum incluye algunos de sus temas más conocidos, como “Black Dog”, “Rock and Roll” o “Stairway to heaven”.
“Houses of the holy” (1973) demostró la ecléctica capacidad de sus hacedores, con retazos funk y reggae ensanchando su tradicional sonoridad y confirmándolos, junto a los Rolling Stones, como la mejor y más influyente banda de rock del planeta en los años 70.

Después de este Lp, el grupo formó el sello discográfico Swan Song. “Physical Graffiti” (1975) sería su debut en su propia compañía, un doble álbum más aventurado y experimental que otros trabajos en el cual se incluían canciones como “Kashmir”, “Custard Pie” o “Trampled under foot”.
Esta magistral obra mostraba de nuevo tanto su excepcional calidad como instrumentistas como su diversidad compositiva y búsqueda de nuevos espectros sonoros sin perder sus conocidas referencias.


El 4 de agosto de 1975, Robert Plant y su esposa Maureen Wilson, con quien se había casado en 1969, sufrirían un grave accidente de automóvil cuando se encontraban de vacaciones en la Isla de Rodas.
Este siniestro provocó la discontinuidad de las giras de la banda, que llenaba todos los recintos a los que acudía. Entre ellos el Madison Square Garden, actuación celebrada en verano del año 1973 que aparecería publicada en disco con el nombre de “The Songs Remains The Same” (1976) y en una película homónima.



El mismo año en el cual apareció este directo, también publicarían “Presence” (1976), un disco inferior a sus obras pretéritas que incurría en el tratamiento épico y progresivo en muchas de sus composiciones, entre ellas, “Achilles last stand” o “Nobody’s fault but mine”.

En 1977 falleció a causa de una infección estomacal Karac, el hijo de seis años de Robert Plant. Este lamentable suceso sumió en una profunda y larga depresión al rubio cantante y alejó durante una larga temporada al grupo de los escenarios.

Tras este inestable período, Led Zeppelin retornarían a las actuaciones en vivo y también al estudio de grabación, publicando “In through the out door” (1979), heterogéneo Lp que se convertiría en el último trabajo en estudio de la banda. El álbum, en donde daban cabida a trazos pop y sonidos de sintetizadores, incluían la pegadiza balada AOR “All my love” y la apertura rockera “In the evening”, en donde el gran Jimmy Page, personaje clave en la historia de la guitarra rock, volvía a dejarnos otro magistral riff para su ingente colección.

El 25 de septiembre de 1980, John Bonham fallecería ahogado en su propio vómito en casa de Page tras una fuerte borrachera. El hogar de Jimmy Page, situado junto al lago Ness, era la afamada mansión Boleskine, un edificio que había sido propiedad del ocultista Aleister Crowley, una figura enigmática que atrajo desde siempre al famoso guitarrista, no en vano Page decidió llamar al sello de la banda “Swang Song” por el apodo que se daba a sí mismo Crowley, Paramahansa, que significa “divino cisne”.

Esta desaparición provocó la disolución definitiva de la banda, que publicaría póstumamente “Coda” (1982), un álbum nutrido con material de archivo.


Tras la ruptura, Page y Plant estuvieron a punto de unirse a los miembros del grupo Yes, Alan White y Chris Squire, para formar la superbanda XYZ, pero finalmente el proyecto jamás se llevaría a cabo, dando inicio ambos sendas carreras en solitario. Jimmy Page formaría a mediados de los 80 el grupo The Firm, que incluía también al cantante de Free y Bad Company Paul Rodgers y al batería de Uriah Heep Chris Slade. Esta aventura solamente duraría hasta 1986.
Por su parte, Robert Plant debutaba en solitario con “Pictures at eleven” (1983), disco en el cual intervenían Phil Collins a la batería y el guitarrista Robbie Blunt, con el que Plant formaría el grupo The Honeydrippers, en el cual también terminaría colaborando Jimmy Page y Jeff Beck.
John Paul Jones había retomado su faceta de arreglista y productor hasta publicar su primer Lp como solista en 1999, “Zooma”.



Con posterioridad y alternando numerosos proyectos, los diversos miembros de Led Zeppelin se reencontrarían en diversas ocasiones, grabando Page & Plant discos como “No Quarter” (1994) o “Walking into Clarksdale” (1998), trabajos sin excesiva relevancia en su discografía.
El legado fundamental de Led Zeppelin sería expandido con recopilaciones y directos a lo largo de las siguientes décadas después de su triste disolución, como la compilación “Remasters” (1990) o los directos “BBC Sessions” (1997) o “How the west was won” (2003).

Discos Comentados

Led Zeppelin (1969)
Led Zeppelin II (1969)
Led Zeppelin III (1970)
Led Zeppelin IV (1971)
Houses of the Holy (1973)

Todos los derechos: AlohaCriticón.

Eric Johnson

Eric Johnson - Summer Jam

www.Tu.tv

Eric Clapton

Eric Clapton: Old Love (Live)



Eric Clapton: Reconsider Baby


Eric Clapton & Mark Knopfler - Wonderful Tonight


Eric Clapton: Groaning The Blues



tears in heaven `eric clapton


Little Wing Clapton/Crow

This is a breathtakingly good version of Little Wing done by Eric Clapton and Cheryl Crow. The song was written by Jimi Hendrix. Has a lot of jazz guys playing backup like Steve Gadd and a great solo by David Sanborn


Eric Clapton. Biografía, discografia y letras

Extraordinario guitarrista y buen compositor, férreo amante de la música blues y protagonista esencial de las convulsas épocas de los 60 y 70, Eric Clapton es uno de los nombres fundamentales e ineludibles en la historia del rock.

Nacido el 30 de marzo de 1945 en la localidad británica de Ripley, perteneciente al condado de Surrey, Eric Patrick Clapp fue el primer hijo de una madre soltera llamada Patricia, quien a los dieciseis años había concebido a su retoño tras mantener relaciones con un soldado canadiense casado destinado a Europa llamado Edward Fryer, el cual no quiso reconocer a su descendiente.

Curiosamente, Patricia mantuvo engañado hasta los nueve años al pequeño Eric, haciéndole creer que ella era su hermana mayor y que sus abuelos eran sus padres reales.
Patricia había dejado Ripley tras tener a Eric, por ser el objetivo de los despiadados cotilleos de sus vecinos. Se marchó a Alemania y allí se casó con otro soldado de nacionalidad canadiense.
Mientras tanto, Eric Clapton crecía con sus abuelos Jack y Rose, quienes le regalaron su primera guitarra el día de su catorce cumpleaños, encontrando Clapton desde esa fecha su innata senda artística, devorando y emulando el proceder en las seis cuerdas de sus ídolos del blues: Muddy Waters, Robert Johnson o B.B. King.
Con su progreso instrumental, el adolescente Eric fue perdiendo interés en los estudios y tras dejar el Kingston College of Art, volcó sus esfuerzos y aptitudes en la creación de su primera formación musical, llamada The Roosters, grupo de R&B con el que dio sus primeros conciertos en los clubes londinenses. Posteriormente se uniría a Casey Jones & The Engineers.

Su primera gran banda serían los Yardbirds, grupo al que se incorporó en 1963 para sustituir a Tony Topham.
En esta influyente formación profundizaría en sus raíces blues y conseguiría una meritoria fama por su técnica guitarrera entre los aficionados al R&B y a la música negra que asistían al Crawdaddy Club.
Sus seguidores terminarían apodandole Slowhand (Mano Lenta). El compromiso con los Yardbirds se rompería tras grabar el grupo el single escrito por Graham Gouldman "For your love", al no estar de acuerdo Eric en el cambio de sonido efectuado por la banda, pues abandonaban las raíces blues a favor de posturas pop más comerciales.
Para continuar desarrollando su dirección blues se unió a los Bluesbreakers de John Mayall, uno de los grandes artífices del blues en el Reino Unido. Ahora su nuevo apelativo vendría determinado por una popular pintada realizada por un férvido seguidor que expresaba "Clapton is God".
Nacía el dios británico de la guitarra. Tras participar en multitud de conciertos y en la grabación de un álbum con los Bluesbreakers, Eric dejó a Mayall para crear en 1966 el grupo Cream, su banda más representativa e importante, pues asentó los cimientos del power trio con una espectacular mezcolanza ente rock, blues y psicodelia.
Los otros vértices del triángulo eran el bajista Jack Bruce y el batería Ginger Baker, ex miembros de la Graham Bond Organisation que se convirtieron en complementos ideales para que Cream se erigiese en una de las formaciones más importantes y exitosas de su época, grabando imprescindibles discos como "Fresh Cream", "Disreali Gears" o "Wheels of fire". Tristemente y debido a disputas personales, el trío se separó en 1969 tras una triunfal gira de despedida.
Ese mismo año, Eric, Ginger Baker y dos importantes miembros del rock británico como Steve Winwood (Spencer Davis Group y Traffic) y Rick Grech (Family y Traffric) formaron el supergrupo Blind Faith, proyecto que no tuvo continuidad a pesar de grabar un fenomenal album de título homónimo.
En 1970 y harto de su talante de estrella, Clapton decidió formar parte como simple guitarrista de la Plastic Ono Band de John Lennon y colaborar con la pareja Delaney & Bonnie, quienes habían actuado como teloneros de Blind Faith.
Con su ayuda, Eric publicó su primer album en solitario titulado simplemente "Eric Clapton" (1970), con canciones co-escritas en su mayoría con Delaney Bramlett, que desde unos cimientos R&B no desdeñaba facetas rock'n'roll, pop o country.
Con los músicos que acompañaban a Delaney & Boney, Clapton formó Derek & The Dominos, grupo que obtuvo un gran éxito con la composición "Layla", un clásico que contó con la participación de Duane Allman acompañando a Eric en la guitarra.
Esta canción estaba dedicada a Pattie, la (por entonces) mujer de George Harrison de la que Eric se había enamorado mientras colaboraba con el Beatle en la grabación de "All things must pass".
En esa época comenzó un largo calvario para el gran guitarrista, al ser atrapado por una enorme adicción a la heroína, que incluso le llevó a vender parte de sus guitarras para la adquisición de la droga.
Cuando se encontraba al borde de la muerte, surgieron muchos compañeros de profesión en apoyo de Clapton, especialmente el líder de los Who, Pete Townshend, que organizó en su ayuda el concierto Eric Clapton at The Rainbow.
Posteriormente acudió a la clínica Harley Street para desintoxicarse de su dependencia. Años después el propio Clapton fundaría un centro de desintoxicación para drogodependientes en Antigua, al que llamó Crossroads.
En 1974 regresó a los estudios para grabar el estupendo "461 Ocean Boulevard" (1974), disco que presentaba el exitoso cover de Bob Marley "I shot the sheriff" (número 1).
Este Lp fue continuado en esta etapa final de los 70 por los discos grandes "There's one in every crowd" (1975), "No reason to cry" (1976), un álbum grabado con The Band (con quienes aparece en "El último vals"), "Slowhand" (1977) y "Backless" (1980), discos irregulares pero con notables aciertos parciales, especialmente en "Slowhand", Lp que contenía su versión de "Cocaine", el tema original de J. J. Cale.
En 1979 y tras intentarlo durante muchos años, terminaría casándose con Pattie, aunque finalmente la pareja se separaría en 1988.
Los años 80 comenzaron con buen pie comecial para Eric, que con el directo "Just one night" (1980) y el nuevo álbum en estudio "Another ticket" (1981) logró importantes ventas y convertir el primer título en su esencial disco en vivo.
Sus siguientes trabajos en formato Lp como "Behind the sun" (1985) o "August" (1986), ambos con producción de Phil Collins, aunque no excesivamente destacados, siguieron manteniendo el elevado status como instrumentista del guitarrista británico. Su mejor trabajo en este final de decenio fue "Journeyman" (1989).
En 1991 y tras la terrible pérdida de su hijo de cuatro años llamado Connor, Eric Clapton presentó uno de sus temas de mayor impacto popular con la sentida y bella balada "Tears in heaven", single incluido en "Umplugged" (1992), el Lp más vendido de su carrera.
Posteriormente retornaría al blues negro con "From the cradle" (1994) y el notable "Riding with the king" (2000), disco en el cual contó la colaboración de uno de sus grandes ídolos de juventud, el gran bluesman B. B. King.
En el poco satisfactorio "Pilgrim" (1998) coqueteaba con el soul y volvía a conseguir el éxito con singles como "Changes the world" o "My father's eyes".
"Reptile" (2001), un ecléctico paseo sonoro con versiones de Ray Charles, James Taylor o Stevie Wonder, y "Me and Mr. Johnson" (2004), disco tributo al mito del blues Robert Johnson, son los últimos trabajos discográficos de este excepcional guitarrista.

Todos los derechos: AlohaCriticón.

Carlos Santana

Carlos Santana - Europa



Black Magic Woman



Samba Pa ti - Recorded in Zagreb, Croatia 18th October 1998.



Santana. Biografía y discografia

La primera gran estrella en la historia de la música moderna que supo fusionar con éxito las pautas del jazz, el rock la psicodelia y el blues con ritmos de procedencia latina, Carlos Santana y su banda se convirtieron en una de las más originales propuestas musicales surgida en la ciudad de San Francisco a finales de la década de los 60.
Santana nació el 20 de julio de 1947 en la población mexicana de Autlán. El joven Carlos creció en un ambiente repleto de sonoridad musical, ya que su padre tocaba el violín en un conjunto de mariachis, y comenzó a imitar el proceder de su progenitor, a la vez que aprendía a rasguear la guitarra desde muy niño.
Después de trasladarse a Tijuana, la familia Santana se ubicó definitivamente a principios de la década de los 60 en la ciudad californiana de San Francisco. Carlos amaba la música tradicional heredada de sus ancestros, pero estaba muy interesado en desarrollar esa raigambre sonora en el espectro del rock, el blues y el jazz, estilos por los que se sentía muy atraído.
En 1966 formó la Santana Blues Band, un grupo que había ideado con el cantante y teclista Gregg Rolie. A la pareja se les uniría el bajista David Brown, el batería Bob Livingstone y el percusionista Marcus Malone.
Pronto comenzaron a actuar en los locales de San Francisco, en especial en el Fillmore West, propiedad de Bill Graham. La intensidad en vivo de la banda quedaría reflejado en el disco "Live at the Fillmore 1968", un trabajo que no vería la luz en su día y que será publicado casi tres décadas después.

1969 sería un año clave para la Santana Blues Band. Recortarían su apelativo simplemente a Santana, actuarían con gran éxito en el popular Festival de Woodstock y publicarían su primer disco grande titulado "Santana" (1969), un espléndido album que alcanzó el puesto número 4 en listas de Lps más vendidos, gracias a temas como "Soul sacrifice", "Evil Ways", "Waiting" o "Jingo".
En la grabación de este disco y en Woodstock ya no estaban dentro de la formación Marcus Malone y Bob Livingstone, que serían sustituidos en el trabajo de batería y percusión por Mike Caravello, Michael Shrieve y José "Chepito" Areas, responsables de proporcionar ese aroma afrocubano tan característico de su propuesta musical.
Si con "Santana" había ocupado puestos de honor entre público y crítica, con su obra maestra "Abraxas" (1970), el grupo de Carlos Santana elevaba a lo más alto su amalgama de influencias sonoras.
El Lp llegó al número 1, permaneciendo en ese puesto durante un largo tiempo. Las indelebles revisitaciones de Tito Puente en "Oye como va" y de los Fleetwood Mac de Peter Green en "Black magic woman", junto a las soberanas aportaciones compositivas del propio Santana ("Samba pa ti"), Carabello ("Singing Winds, Crying Best"), Rolie ("Mother's Daughter") o Areas ("El Nicoya)", hacen de este album uno de los mejores discos en la historia de la banda de San Francisco y uno de los más interesantes de su efervescente período.
"Santana III" (1971) fue la continuación de "Abraxas". Supuso la estabilidad de la buena marcha del grupo tanto a nivel artístico como comercial (volvió a alcanzar el puesto número 1) con temas como "Everybody's Everything", "Batuka", "No one to depend on" o "Everything's coming our way".
En este disco se incorporó un nuevo miembro, el guitarrista Neal Schon.
Poco después de este exitoso trabajo, el grueso de Santana terminó por despedazarse, ya que problemas con drogas de varios de los miembros y las crecientes inclinaciones espiriturales de Carlos, que había abrazado las creencias del gurú bengalí Sri Chinmoy, provocando un cambio radical en sus comportamientos, imagen y forma de ver la vida, con un talante mucho más reflexivo, místico y pacifista.
Al mismo tiempo decidió hacerse llamar Devadip y se cortó el cabello. Por esa época, colaboró con el batería Buddy Miles en una gira y un disco en directo llamado "Carlos Santana & Buddy Miles! Live!" (1972).
En "Caravanserai" (1972) enfatizaron más su pasión por el jazz logrando atraer a su masivo público con piezas como "Just in time to see the sun" o "Look up (To see what's coming down)".
En ese prolífico año publicó tambien junto a John McLaughlin (seguidor asimismo de las corrientes religiosas de Sri Chinmoy) y su Mahavishnu Orchestra el disco "Love Devotion and Surrender" (1972), una gema de jazz-rock de basamento espiritual.
En "Welcome" (1973) ya no participó Gregg Rolie (sustituido por Leon Thomas) que abandonó a Santana para formar con Neal Schon el grupo Journey. El disco fue de inferior calidad que sus primeras obras, pero mantenía las eclécticas constantes que hicieron triunfar a la banda.
Los cambios en la formación marcaron el devenir de Santana en los siguientes años, época en la cual publicaron el album en directo "Lotus" (1974), la colaboración de Carlos con Alice Coltrane (viuda del mito del jazz John Coltrane) en "Illuminations" (1974), el aprovechable Lp "Amigos" (1976) y discos menores como "Borboletta" (1975), "Festival" (1977), "Moonflower" (1977), Lp en donde versionaba el tema de los Zombies "She's not there", "Inner Secrets" (1978) y "Oneness: Silver Dreams Golden Realities" (1979), su primer album firmado en solitario, consiguieron mantener un alto rango en su comercialidad pero el esparcimiento sonoro nunca sonó tan compacto y fascinante como sus tres primeros Lps.
En la década de los 80 y 90 continuó publicando discos en estudio y directos de desigual entidad, entre ellos el excelente "Blues for Salvador (1987), hasta su espectacular resurgimiento comercial en 1999, con la grabación de "Supernatural" (1999), un trabajo que consiguió numerosos premios Grammy y llegó de nuevo el número 1 en las listas americanas, confirmando que el buen hacer de este mago de las seis cuerdas y su colosal aportación a la fusión musical permanecía imperturbable al inapelable paso del tiempo.

Peter Frampton

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